Die Ausstellung DO YOU GUYS EVER THINK ABOUT DYING? zeigt Arbeiten von Antonia Freisburger, Frank Jimin Hopp und Felix Kultau, die sich mit unterschiedlichen Facetten des Unbehaglich-Menschlichen auseinandersetzen. 

Die Malereien und Zeichnungen von ANTONIA FREISBURGER umkreisen die Grenzen des Menschseins angesichts des Nicht-Menschlichen. Die Künstlerin schafft herausfordernde und zugleich stimulierende Imaginationen der undichten Trennlinie zwischen dem Möglichen und Unmöglichen. FRANK JIMIN HOPP greift in seinen Malereien und Keramiken auf popkulturelle Motive und Figuren der 90er und 00er Jahre zurück und konfrontiert diese mit prekären Strukturen und Problemen. Aus ihrer kindlichen Heiterkeit gelöst, blicken sie schockiert in eine unsichere Gegenwart und Zukunft. In seinen Skulpturen und Collagen setzt FELIX KULTAU auf kühle, industrielle Alltagsmaterialien und -gegenstände, denen er eine nostalgische Dimension verleiht. Der Künstler thematisiert die Beziehung zwischen Mensch und Objekt und spielt mit dem Bewusstsein für den Warenfetisch unserer Wohlstandsgesellschaft.

DO YOU GUYS EVER THINK ABOUT DYING? fragt Greta Gerwigs Barbie in einer Schlüsselszene des gleichnamigen Filmes und bringt damit die ambivalenten Gefühle zum Ausdruck, mit denen Prozesse des Bewusstwerdens uns nur allzu gern überrumpeln.

Die Ausstellung DO YOU GUYS EVER THINK ABOUT DYING? zeigt Arbeiten von Antonia Freisburger, Frank Jimin Hopp und Felix Kultau, die sich mit unterschiedlichen Facetten des Unbehaglich-Menschlichen auseinandersetzen. 

Die Malereien und Zeichnungen von ANTONIA FREISBURGER umkreisen die Grenzen des Menschseins angesichts des Nicht-Menschlichen. Die Künstlerin schafft herausfordernde und zugleich stimulierende Imaginationen der undichten Trennlinie zwischen dem Möglichen und Unmöglichen. FRANK JIMIN HOPP greift in seinen Malereien und Keramiken auf popkulturelle Motive und Figuren der 90er und 00er Jahre zurück und konfrontiert diese mit prekären Strukturen und Problemen. Aus ihrer kindlichen Heiterkeit gelöst, blicken sie schockiert in eine unsichere Gegenwart und Zukunft. In seinen Skulpturen und Collagen setzt FELIX KULTAU auf kühle, industrielle Alltagsmaterialien und -gegenstände, denen er eine nostalgische Dimension verleiht. Der Künstler thematisiert die Beziehung zwischen Mensch und Objekt und spielt mit dem Bewusstsein für den Warenfetisch unserer Wohlstandsgesellschaft.

DO YOU GUYS EVER THINK ABOUT DYING? fragt Greta Gerwigs Barbie in einer Schlüsselszene des gleichnamigen Filmes und bringt damit die ambivalenten Gefühle zum Ausdruck, mit denen Prozesse des Bewusstwerdens uns nur allzu gern überrumpeln.

Die Ausstellung DO YOU GUYS EVER THINK ABOUT DYING? zeigt Arbeiten von Antonia Freisburger, Frank Jimin Hopp und Felix Kultau, die sich mit unterschiedlichen Facetten des Unbehaglich-Menschlichen auseinandersetzen. 

Die Malereien und Zeichnungen von ANTONIA FREISBURGER umkreisen die Grenzen des Menschseins angesichts des Nicht-Menschlichen. Die Künstlerin schafft herausfordernde und zugleich stimulierende Imaginationen der undichten Trennlinie zwischen dem Möglichen und Unmöglichen. FRANK JIMIN HOPP greift in seinen Malereien und Keramiken auf popkulturelle Motive und Figuren der 90er und 00er Jahre zurück und konfrontiert diese mit prekären Strukturen und Problemen. Aus ihrer kindlichen Heiterkeit gelöst, blicken sie schockiert in eine unsichere Gegenwart und Zukunft. In seinen Skulpturen und Collagen setzt FELIX KULTAU auf kühle, industrielle Alltagsmaterialien und -gegenstände, denen er eine nostalgische Dimension verleiht. Der Künstler thematisiert die Beziehung zwischen Mensch und Objekt und spielt mit dem Bewusstsein für den Warenfetisch unserer Wohlstandsgesellschaft.

DO YOU GUYS EVER THINK ABOUT DYING? fragt Greta Gerwigs Barbie in einer Schlüsselszene des gleichnamigen Filmes und bringt damit die ambivalenten Gefühle zum Ausdruck, mit denen Prozesse des Bewusstwerdens uns nur allzu gern überrumpeln.

Die Ausstellung In der Stille rasender Winde zeigt Malereien, Zeichnungen, Skulpturen und Collagen der Berliner Künstlerin Detel Aurand, die in den vergangenen Jahren entstanden sind. Begleitend zur Ausstellung erscheint ein gleichnamiges Künstlerinnenbuch, in dem Aurand Abbildungen ihrer Arbeiten mit Traumschilderungen kombiniert. Die Träume der Künstlerin werden auf so selbstverständliche Weise mit ihrem Bildwerk verwoben, dass sich die Grenze zwischen dem realen und dem imaginierten Raum vollends aufzulösen scheint – falls diese überhaupt je existiert hat. Genau in dieser Gleichzeitigkeit, dem vollkommenen Neben- und Ineinander aller Dinge und dem oft undefinierbaren „Dazwischen“ liegt das Wesen von Aurands künstlerischem Ausdruck. So sind die Träume unweigerlich mit ihrer visuellen Bildsprache verbunden, vielleicht sogar die Grundlage für ein künstlerisches Werk, das immer auch spirituelle Aspekte beinhaltet und weit über das Visuelle hinausgeht.

Dieser Text ist eine gekürzte Version eines Textes von Katharina Wendler für das Künstlerinnenbuch In der Stille rasender Winde, das zur Ausstellung erscheint. 
 
Detel Aurand wurde 1958 in Frankfurt (Main) geboren. Ihre Arbeiten sind seit dreißig Jahren in zahlreichen Gruppen- und Einzelausstellungen im In- und Ausland ausgestellt worden, u. a. in der Galerie Zadik, Tel Aviv (Israel), im Living Art Museum, Reykjavìk (Island) und im Lístasafn Árnesinga, Selfoss (Island). Residencies führten Aurand nach Indien, in die USA und jüngst nach Marokko. Zudem erhielt sie diverse Stipendien, darunter vom BBK (60+ Grant Visual Arts 2021), dem Goldrausch Künstlerinnenprojekt 2015 und dem Berliner Senat (Künstlerinnenförderung Film/Video 2012). Aurand lebt und arbeitet in Berlin.
 
Das Projekt wird aus Mitteln des Ausstellungsfonds Kommunale Galerien gefördert.

Die Ausstellung In der Stille rasender Winde zeigt Malereien, Zeichnungen, Skulpturen und Collagen der Berliner Künstlerin Detel Aurand, die in den vergangenen Jahren entstanden sind. Begleitend zur Ausstellung erscheint ein gleichnamiges Künstlerinnenbuch, in dem Aurand Abbildungen ihrer Arbeiten mit Traumschilderungen kombiniert. Die Träume der Künstlerin werden auf so selbstverständliche Weise mit ihrem Bildwerk verwoben, dass sich die Grenze zwischen dem realen und dem imaginierten Raum vollends aufzulösen scheint – falls diese überhaupt je existiert hat. Genau in dieser Gleichzeitigkeit, dem vollkommenen Neben- und Ineinander aller Dinge und dem oft undefinierbaren „Dazwischen“ liegt das Wesen von Aurands künstlerischem Ausdruck. So sind die Träume unweigerlich mit ihrer visuellen Bildsprache verbunden, vielleicht sogar die Grundlage für ein künstlerisches Werk, das immer auch spirituelle Aspekte beinhaltet und weit über das Visuelle hinausgeht.

Dieser Text ist eine gekürzte Version eines Textes von Katharina Wendler für das Künstlerinnenbuch In der Stille rasender Winde, das zur Ausstellung erscheint. 
 
Detel Aurand wurde 1958 in Frankfurt (Main) geboren. Ihre Arbeiten sind seit dreißig Jahren in zahlreichen Gruppen- und Einzelausstellungen im In- und Ausland ausgestellt worden, u. a. in der Galerie Zadik, Tel Aviv (Israel), im Living Art Museum, Reykjavìk (Island) und im Lístasafn Árnesinga, Selfoss (Island). Residencies führten Aurand nach Indien, in die USA und jüngst nach Marokko. Zudem erhielt sie diverse Stipendien, darunter vom BBK (60+ Grant Visual Arts 2021), dem Goldrausch Künstlerinnenprojekt 2015 und dem Berliner Senat (Künstlerinnenförderung Film/Video 2012). Aurand lebt und arbeitet in Berlin.
 
Das Projekt wird aus Mitteln des Ausstellungsfonds Kommunale Galerien gefördert.

good reason
Martin Colden, Franz Landspersky, Scott Pfaffman und Gregor Wiest.
Die Ausstellung entsteht in Zusammenarbeit mit the Wall Gallery, Brooklyn

detect – zeichnend Welt begreifen versammelt 20 zeichnerische Positionen mit ihren unterschiedlichen Ansätzen, zeichnend die Welt abzutasten. Neben klassischen Zeichnungen stehen Zeichnungsinstallationen und -collagen. Thematisch geben die Arbeiten Einblicke in aktuelles Zeitgeschehen, dessen künstlerische Wahrnehmung, auch in unbemerkte Alltäglichkeiten. Dreh- und Angelpunkt bleibt das Zeichnen als Mittel der künstlerischen Formulierung.

Die Ausstellung versammelt 20 künstlerische Positionen aus 15 Jahren Prolog – Heft für Zeichnung und Text und zeigt deren unterschiedliche Wege, zeichnend die Welt abzutasten, ihren Zustand wahrzunehmen. Prolog ist ein überregional agierendes Kunstprojekt in Form einer Zeitschrift und veröffentlicht Zeichnungen/Texte – frei/poetisch/künstlerisch/subjektiv. Egal ob abstrakt, gegenständlich, sachlich, verschnörkelt, dreckig oder auf Zahnstocher.

Die Ausstellung versammelt 20 künstlerische Positionen aus 15 Jahren Prolog – Heft für Zeichnung und Text und zeigt deren unterschiedliche Wege, zeichnend die Welt abzutasten, ihren Zustand wahrzunehmen. Prolog ist ein überregional agierendes Kunstprojekt in Form einer Zeitschrift und veröffentlicht Zeichnungen/Texte – frei/poetisch/künstlerisch/subjektiv. Egal ob abstrakt, gegenständlich, sachlich, verschnörkelt, dreckig oder auf Zahnstocher.

Die Schönhauser Allee im Prenzlauer Berg weckte zwischen dem Bau der Berliner Mauer und dem Ende des 20. Jahrhunderts das Interesse zahlloser Fotograf:innen. Mithilfe teils experimenteller fotografischer Prozesse dokumentierten sie das alltägliche Leben auf den Straßen, in Geschäften und Lokalen eines Viertels, in dem Menschen unterschiedlichster sozialer Schichten zusammenlebten. Die Ausstellung beleuchtet die Faszination Schönhauser Allee und ihren Wandel im Verlauf der Jahrzehnte.

Lukas Liese, Zoë Claire Miller und Mary-Audrey Ramirez setzen sich in ihrer Kunst auf unterschiedliche Weise mit gesellschaftlichen Strukturen und Phänomenen auseinander, denen nicht selten etwas Brutales innewohnt. Neben Skulpturen und Reliefs zeigt die Ausstellung in der kommunalen Galerie Parterre Berlin Keramiken, textile Arbeiten und Installationen der drei in Berlin lebenden Künstler:innen.

Lukas Liese, Zoë Claire Miller und Mary-Audrey Ramirez setzen sich in ihrer Kunst auf unterschiedliche Weise mit gesellschaftlichen Strukturen und Phänomenen auseinander, denen nicht selten etwas Brutales innewohnt. Neben Skulpturen und Reliefs zeigt die Ausstellung in der kommunalen Galerie Parterre Berlin Keramiken, textile Arbeiten und Installationen der drei in Berlin lebenden Künstler:innen.

Am 4. Oktober 2021 tagte die Jury für den XIII. Egmont Schaefer Preis für Zeichnung.
Sie hat sich mit großer Mehrheit für HAVIN AL-SINDY als Preisträgerin entschieden. Besonders ihre Zeichnungen zum Thema Begraben/Ausgraben und Bewegungen/Sichten haben die Jury überzeugt. Die Preisträgerausstellung wird voraussichtlich vom 26. April bis zum 26. Juni 2022 in der Galerie Parterre Berlin zu sehen sein.

Hermann Bachmann (1922–1995)
Die Berliner Jahre – Eine Ausstellung zum 100. Geburtstag

Sein hauptsächliches Wirkungsfeld fand Hermann Bachmann in der Kunstmetropole Berlin. Hier war er als Maler und Hochschullehrer bekannt und verehrt, aber auch als Sympathisant der Studentenbewegung zeitweise umstritten.

Der Berliner Kabinett e. V. hat den in Berlin lebenden Zeichner Kazuki Nakahara mit dem Egmont-Schaefer-Preis für Zeichnung ausgezeichnet. Der Preis ist vom Verein Berliner Kabinett 1998 zu Ehren des Berliner Zeichners Egmont Schaefer ausgelobt worden. Er dient der Förderung eines zeichnerischen Werkes und der Würdigung der Zeichnung als künstlerischer Ausdrucksform. Kazuki Nakahara, 1980 in Kagawa, Japan, geboren, studierte von 2005 bis 2010 an der Kunsthochschule Berlin Weißensee.