Die Corona Pandemie hat unfreiwillig zur Isolation und Einkehr geführt. Erst durch den Verlust haben wir gemerkt, wie wichtig Kunst und Kultur in unserem Leben ist, und wie sie unser soziales Verhalten bestimmt. Die Ausstellung "Sehnsucht nach Kunst" möchte einen Einblick in ihre Schönheit, ihren Tiefgang und die Notwendigkeit von Kunst geben.

Die Galerie Poll stellt die Arbeit "Endgültige Fassung der Beschlussvorlage" von Daniel Poller erstmals vor. Die 39 Fotografien entstanden während des Abrisses des Instituts für Lehrerbildung (FH Potsdam) auf dem Alten Markt in Potsdam. Poller schloss sein Studium an der HGB Leipzig 2017 als Meisterschüler von Prof. Peggy Buth und Prof. Joachim Brohm ab. Die Umdeutung von Architektur im Stadtraum und die daraus resultierende Überschreibung von Geschichte ist ein zentrales Thema seiner Arbeit.

Mit der Ausstellungsserie mianki & friends zeigen wir einmal im Jahr die Künstler*innen der Galerie, welche im jeweiligen Ausstellungsjahr nicht mit einer Einzelausstellung vertreten sind. Dazu laden wir Gastkünstler*innen ein, die uns an anderen Orten aufgefallen sind. Damit schaffen wir die Möglichkeit Neues zu entdecken, gleichzeitig an den aktuellen Entwicklungen unserer Künstler*innen teil zu haben. Freuen Sie sich auf den Dialog in der Gegenüberstellung.

Die Galerie zeigt Collagen von Macks Querfeldt. Die Arbeit des Künstlers ist ein durch Selektion geschaffenes Protokoll gesellschaftlicher Umbrüche. Mit seinen Assemblagen verwandelt er die Galerie zu seiner Pressestelle, zu seinem Kiosk, zu seinem Weltempfänger.

The exhibited works strike a balance between historical research and the attempt to discover a narrative style between narration and abstraction. Recurrence of the same with minor variations and pattern-like systems of elements are characteristics not only of the paintings and objects but also of the videos. In troubled times, concentrating on what is constant and recurrent can provide an unexpected point of reference and thereby contribute to our understanding of future paradigms.

Dass sich gerade Uwe Bremer dazu herausgefordert fühlt, die Machenschaften des Corona-Virus künstlerisch in Szene setzen, nimmt niemanden Wunder, der ihn kennt. Altmeisterlich gemalt und mit Blattgold veredelt, treibt der Virus auf dem vom Künstler bearbeiteten Holzgrund sein Unwesen. Die Arbeiten sind wahre Kleinode und mit ihren prachtvollen Farben und barocken Formen eine Augenweide.

In diesem August, wie die Jahre davor, veranstalten wir einen Rückblick durch die Ausstellungen den letzten 12 Monate und zeigen dementsprechen von allen ausstellenden Künstler*innen ein paar Arbeiten.
 

My painting from this year is wilder, more rugged, weathered, offhand, uncomfortable, headstrong, turbulent, passionate, dynamic, impulsive – and my paintings are more beautiful than ever before. 

Michael Toenges, 5 December 2019

Zu sehen sind Zeichnungen von Jürgen Holtz. Kaspar, Puppe, Krokodil, die klassischen Akteure des Puppenspiels, treten an gegen das grausige Arsenal von Schreihälsen, Brandstiftern, Gespenstern, die Tango tanzen. „Meine Bilder sind einerseits bitterernst, andererseits sind sie absolut zum Lachen“, so Holtz. Zuversicht und Humor verbreiten indes Kinder, etwa ein Knirps, der umgeben von einem Zäunchen am Rand des Geschehens sitzt: Wiederkehrendes Logo und Signatur des Künstlers zugleich.

Olivier Messas ist ein talentierter Maler, Fotograf und Bildhauer, der in Vietnam geboren und in Frankreich aufgewachsen ist und jetzt in Frankreich und Deutschland lebt. Seine Werke wurden vielfach ausgezeichnet und sind in Publikationen und Ausstellungen in ganz Europa und Asien vertreten. Sein künstlerisches Schaffen ist für Messas Weltflucht und zugleich Ausdruck seines kulturellen Erbes. Sein Stil reicht von figürlich bis abstrakt und ist geprägt von klaren, warmen Farben.

„Human Territoriality" versammelt Roger Eberhards Fotografien von ehemaligen Grenzverläufen, rund um den Globus und quer durch die Menschheitsgeschichte. In einer Zeit von Massenmigration, Grenzmauern und erstarkendem Nationalismus zeigen sie die Wechselhaftigkeit dieser menschengemachten Gebietsmarkierungen.

Statement Claudia Desgranges: „Es ist mein Ziel, Freiheit in der Malerei zu erreichen, über Konventionen hinaus zu gehen, neue Sehgewohnheiten zu initiieren...Wir sind so vielen Medien ausgesetzt, alles geht immer schneller, vieles gleichzeitig. Darauf reagiere ich mit dem langsamen Medium Malerei ...Nicht das Versinken in einem Bild ist das Ziel, das Auge soll umherwandern.“

In dieser Ausstellung sind neue Arbeiten zu sehen: Neben Machwerken der Sympathie (in Manier der Widmungsbilder der jüngsten Zeit) auch sogenannte Schattenkreuzbilder: Buchstaben der Schattenschrift werden im rechten Winkel gekreuzt. Das Endprodukt Bild ist - unabhängig von Größe und Machart - abstrakter Sinngehalt in reinster Form, das heißt ohne die Möglichkeit des Widerspruchs, der Korrektur. Über Ansichten kann und sollte man selbstverständlich reden.

Mit der Gruppenausstellung "Fresh! ...essays on Nature" werden Geschichten zu Natur und Gesellschaft erzählt. Die ausgewählten Werke stellen nicht nur eine visuelle Verbindung zwischen dem Publikum und dem Natürlichen her, sondern zeigen auch die konzeptuellen Wahlmöglichkeiten der Künstler*innen auf - vom Politischen, über das Ökologische bis hin zum rein Ästhetischen.
Teilnehmende Künstler*innen:
Marlene Bart/Eduard Bigas/Yoav Admoni/Yamou/Ying-Tung Tseng/Michael Kain/Akyute/Semaan Khawam

Ulrich Haugs Arbeiten sind Bild und Objekt. Sie sind flächig und rechteckig – und erinnern somit an die Konturen von Gemälden. Gleichzeitig entfalten sie eine objekthafte und skulpturale Präsenz im Raum. Tafeln und Blöcke aus Wachs und Beton – das sind die ersten Eindrücke der Stoffe mit denen Ulrich Haug arbeitet und die unterschiedlicher in ihrem Ausdruck nicht sein könnten. Gemeinsam ist ihnen die Umwandlung vom warmen flüssigen in den erkalteten festen Zustand.

Light as a Material 

Udo Nöger  bringt in seinen Arbeiten die unterschiedlichsten Werkstoffe wie Holz, Tuch, Leinwand, Flüssigkeiten und Farbe zusammen. Durch dieses additive Verfahren bringt er seine Objekte ohne zusätzliche Lichtquelle dazu aus sich heraus zu leuchten.

FuXiaotong,eine Meisterin der Perforation. Durch eine eigens von ihr entwickelte Technik setzt sie mit Hilfe eines Stanzwerkzeuges zunächst simpel erscheinende Löcher in traditionelles chinesisches Reispapier.

Werner Berges (1941-2017) ist einer der Hauptvertreter der Pop Art in Deutschland. Noch als Student der Berliner HBK wendet er sich in den späten 60ern der Figuration zu und greift Motive aus Zeitungen und Magazinen auf, vor allem makellose Frauengestalten aus der Werbung. Diese abstrahiert er und verfremdet sie mittels Positiv- und Negativformen, Motivwiederholung und Überlappungen von farbig gerasterten Flächen. So schafft er leuchtend farbige Bildnisse zwischen Übersteigerung und Ironie.

Mario Pfeifer entwickelt seine künstlerischen Projekte ausgehend von spezifischen kulturellen Situationen. Lange Forschungsreisen und -aufenthalte ermöglichen ihm eine Auseinandersetzung mit unterschiedlichen Gemeinschaften, Kulturen und Orten, die als Ausgangsmaterial für seine Werke dienen.

Die Ausstellung zeigt divergente Ansichten aus europäischen und asiatischen Zoos. Die beiden Positionen der Autorenfotografinnen Sabine Wild, mit ihren Serien "Territorien" und Hildegard Ochse mit  "Gastland Bundesrepublik Deutschland" unterscheiden sich in ihrer Herangehensweise, in unterschiedlichen Techniken sowie im Aufnahmezeitpunkt, aber nur wenig in ihrer persönlichen Haltung zu dem gewählten Thema. 

Bettina Pousttchi arbeitet an der Schnittstelle von Skulptur, Fotografie und Architektur. Ihre ortsspezifischen Interventionen im öffentlichen Raum bedecken oft ganze Häuserfassaden und nehmen Bezug auf den urbanen oder historischen Kontext eines Ortes.

16:00-17:00 Uhr
Buchvorstellung "Sex und so – Ein Aufklärungsbuch für alle" Lydia Meyer (Ullstein Verlag)

17:30-18:00 Uhr
Einblicke in das Heft: "Das Jungfernhäutchen gibt es nicht" Oliwia Hälterlein (Maro Verlag)

18:30-19:30 Uhr
Workshop zur Sensibilisierung und Reflexion unserer Sprachgewohnheiten zu Sexualität und Körper (Lydia Meyer, Oliwia Hälterlein & Sophie Wohlgemuth)

20:00-20:30 Uhr
Diskussions- und Austauschrunde (Sophie Wohlgemuth)

/ alle Info hier

Felix Martin Furtwängler ist Maler, er ist Zeichner, er beherrscht und benutzt alle gängigen druckgrafischen Techniken. Sein Schaffen ist rastlos und maßlos in einem besten Sinne. Aus einer überbordenden Phantasie und dem Drang zum lustvollen Fabulieren heraus entstehen stetig neue Werkkomplexe, welche die technischen und handwerklichen Möglichkeiten eines Mediums ebenso austesten wie sie die einzelnen künstlerischen Ausdrucksformen verbinden und deren Grenzen auflösen.

Ausgehend von Bruno Latours gleichnamigem Essay widmet sich das Kunst-, Aufführungs- und Diskursprojekt „Down to Earth“ einem System, in dem unser Verhalten auf einzigartige Weise mit den Einwirkungen vieler anderer Akteur*innen verbunden ist: „der tausendfach gefalteten Erde“.

In seiner jüngsten Arbeit richtet Göran Gnaudschun den Blick auf das eigene Dasein, stellt sich universellen Fragen: Wo stehe ich? Wie kam ich an diesen Punkt des Lebens? In welcher Form ist die Vergangenheit in der Gegenwart aufgehoben? Die sehr persönlichen Aufnahmen sind visuelle Entsprechungen eines inneren Zustandes, der von Abschied und von Neubeginn geprägt ist: „In offener Landschaft, ohne Kompass und Richtung, sollte man Flüssen folgen“, so ein Hinweis des Künstlers auf den Titel.

0 ist der RGB Farbwert für die Farbe Schwarz und 255 ist der RGB Farbwert für die Farbe Weiß. Die Ausstellungsreihe 0+255 bringt zeitgenössische Positionen von Künstler*innen zusammen, die sich in ihrer Arbeitsweise aus verschiedenen Gründen auf den Gebrauch der Farben Schwarz und Weiß beschränken. Der Titel verweist dabei auf einen digitalen Farbraum, der schon lange für die Kunstproduktion und unseren Alltag selbstverständlich ist.

Jede Stadt entwickelt ihr eigenes Profil, hat ihren eigenen Puls, der entscheidend durch historische und aktuelle Machtverhältnisse reguliert wird. Ausgehend von dieser Prämisse hat Maria Sewcz fotografische Zyklen über Großstädte erstellt, darunter Istanbul (2016–17), Rom (2011–12), Berlin (2013–16) und London (2018 fortlaufend). 
Die Arbeiten über Städte stellen den Kern des Werkes von Maria Sewcz dar, sie sind in sich abgeschlossene, eigenständige Werkgruppen. 

Kunst und Spiritualität haben viel gemeinsam. Traditionell wird Künstler*innen eine außerordentliche Sensibilität der Wahrnehmung zugeschrieben. Bis heute verhandeln sie in ihren Werken große philosophische, psychologische oder spirituelle Fragen. Sie erforschen Innenwelten und experimentieren mit Entgrenzungserfahrungen. Oft entstehen Kunstwerke aus einem Zustand der Konzentration oder Kontemplation, welcher mit dem der Meditation vergleichbar ist.

Gravity

Die universelle Anziehungskraft, die zwischen allen Materien wirkt, unterwirft allen Körpern dem Abwärtssog ihrer eigenen Masse. Für die Ausstellungsreihe „HaL-Hofskulptur“ hat Viviana Abelson drei neue Werke konzipiert. Diese Arbeiten, welche die ersten Außenskulpturen in ihrem Schaffen sind, knüpfen an die Auseinandersetzung der Künstlerin mit Materialität, Kraft und Stabilität und dem Potential zur Interaktivität an.

Die Ausstellung vereint alle fünfzehn Stipendiatinnen und Stipendiaten, die seit 2016 vom AArtist in Residence-Programm gefördert wurden. Das 2015 gemeinsam von Frank-Walter Steinmeier als damaliger Außenminister und Werner Tammen, dem Vorsitzenden des Landesverbandes Berliner Galerien (lvbg), ins Leben gerufene Projekt ist das erste Künstler-Residenzprogramm in einem deutschen Bundesministerium und in dieser Form weltweit einzigartig.

Ulrike Flaigs künstlerische Herangehensweise an Themen ist konzeptuell. Ausdruck finden sie in den unterschiedlichsten Medien. Für die Ausstellung „Listen to the Space“ wird eine Installation entstehen, die sich mit der Möglichkeit auseinandersetzt, über Materialien eine akustische Ebene zu imaginieren. Es wird um die Auslotung von Zwei- und Dreidimensionalität gehen, um das Ineinanderweben von Akustischem und Visuellem, um ein Spiel mit Halbdurchlässigkeit, Spiegelung und Rhythmen.

Die Faszination internationaler Künstler*innen für die moderne Großstadt ist in der Kunst, die seit 1945 in Berlin entsteht, stets lebendig und gegenwärtig.Berlin ist gezeichnet von seiner Geschichte, von Erfolgen und Niederlagen, von Feudalismus, Prag­matismus, Liberalismus, Demokratien und Diktatu­ren. Aber auch gezeichnet und gemalt von vielen Künstler*innen.

In seinem fotografischen Projekt „Haut, Stein“ thematisiert Jakob Ganslmeier den Ausstieg ehemaliger Neonazis sowie den Umgang mit historischen NS-Symbolen in der Architektur des öffentlichen Raums.

Die Ausstellung stellt individuelle Geschichten in einen gesellschaftlich-politischen Zusammenhang.

Time Present, die Ausstellung aus der Sammlung Deutsche Bank widmet sich der internationalen Fotografie von den 1970er-Jahren bis heute. Die Schau untersucht, wie sich Künstler*innen mit der Zeit und den Grundfragen der Fotografie auseinandersetzen: Welche unterschiedlichen Realitäts- und Zeitebenen hält eine Aufnahme fest? Bildet sie tatsächlich einen bestimmten Moment ab? Ist das, was auf einem Foto zu sehen ist, Gegenwart oder Vergangenheit, Wirklichkeit oder Imagination?

1962 begann Lothar Wolleh an seinem radikal abstrakten Farbwerk zu arbeiten, welches jenseits fotografischer Dokumentation ist. Diese frühen Arbeiten, die in Rom entstanden, fanden keinen Eingang in Wollehs ersten großen Fotoband. Seine Bilder, welche die Individualität der Handelnden nicht mehr erkennen ließ schien den Herausgebern zu radikal.