Die Galerie Deschler Berlin präsentiert die Europa-Premiere der Kunstwerke von Sharon Stone in ihrer neuen Ausstellung Sharon Stone: Totem.  Es werden zwölf Gemälde von gezeigt. Die meisten sind neu und waren noch nie öffentlich zu sehen. Ihre Kunst wird von Sammlern und Koryphäen der Kunstszene wie Jerry Saltz (amerikanischer Kunstkritiker, der u.a. für das New York Magazine und Monopol schreibt, sowie Pulitzer-Preis-Träger in der Kategorie Kritik) gepriesen. „Totems dienen oft als Monumente für Resilienz und Stärke“, sagt Sharon Stone. „Diese Bilder sind totemistisch. Sie kommunizieren auf eine besondere Art, wie sich mein Leben geballt anfühlen könnte. Die tägliche Arbeit mit Kunst hilft mir dabei, mir selbst den Weg aus der Last dieser alarmierenden Zeiten, in denen wir alle leben, freizukämpfen. Es geht nicht darum, wie wir fallen, sondern darum, wie wir wieder aufstehen. Wir alle wollen mit der Erfahrung eines Wunders leben“, fügt Stone hinzu. „Diese Ausstellung ist mir von Anfang bis Ende als Vision begegnet. Angedockt an das weibliche Bewusstsein möchte ich Ideen und Vorstellungen ausdrücken, die ehrlich und authentisch sind.“

Fu Xiaodong lebt derzeit in Peking und Hangzhou und ist sowohl Kuratorin als auch Künstlerin. Sie unterrichtet auch an der China Academy of Art. Als Chefredakteurin der Contemporary Art News in Taiwan überbrückt ihre persönlichen Schöpfungen die Kluft zwischen traditioneller und zeitgenössischer Kunst und bereichern ästhetische Erfahrungen. Fu verbindet ihre persönliche Kunst mit Kuratierung und leitet zahlreiche Ausstellungen weltweit, um neue künstlerische Bereiche zu erkunden. Mit internationalen Vorträgen an Institutionen wie der Columbia University und dem Centre Pompidou erstreckt sich ihr Einfluss global. In dieser MBS-Ausstellung präsentiert sie 40 Stücke ihrer Papiermalereien, Manuskripte und Installationen aus diesem Jahr.

Das Changieren zwischen realem und unwirklichem, dem verborgenem, aber auch offentsichtlichem charakterisiert die Werkreihe der Documenta Expo Gemälde. Erkundet werden Territorien ohne geordnete Hierachien und versucht durch diese Offenheit Schnittstellen aufzuhalten, bei dem eine Art der Betrachtung möglich wird, die vollkommen frei zwischen den unzähligen und sehr verschiedenartigen Elementen hin und her navigieren kann, sodass jede Betrachterin zu ihrer ganz eigenen Leseart kommen kann.

Der Zweite Teil dieser Austellungsreihe konzentriert sich auf Malerei (Shachar, Kohlmetz, Thiel und Gast) sowie Zeichnung (Shachar, Kohlmetz, Kaehne und Gast) und die Skulptur (Shachar, Kaehne und Gast). Wie lässt sich das Bild des Menschen heute in der zeitgenössichen Kunst darstellen, wenn wir es längst durch die digitalen Social Media von Bildern von Bildern, von Skulpturen und Menschen visuell überfoerdert sind. Teil I von en face war der Fotografie gewidmet.

Öffnungszeiten: 10 h – 13 h + 14 h – 17 h

Hannah Hughes' Arbeit erforscht die Beziehung zwischen Bild, Skulptur und Sprache, wobei sie sich auf das Potenzial des negativen Raums und die Bergung sowie Wiederverwendung von weggeworfenen Materialien konzentriert.

We are pleased to present Hybrid Order, a duo show by Bram Braam and Kirsten Hutsch at galerie burster Berlin. The artistic approach of Bram Braam and Kirsten Hutsch is united by the exploration of different materials, media and artistic techniques. By assembling different elements, both challenge predetermined structures and existing organisational systems. They carefully create their own forms of expression and new orders from this synthesis.

A search for the raw traces to be found in our urban environment – a landscape dominated by architecture – are the points of departure for the work of Dutch artist Bram Braam. This search manifests itself in a sculptural and poetic representation of materiality and decay. Whether freestanding or on the wall, his works reflect the architectural transformation of the city and the relentless evolution of public space. The new series Hybrid Order exemplifies how Braam amalgamates various aspects and contrasts. Carefully assembled, the fragments of warm wood and monochromatic prints form a new depiction of nature and the city, illustrating the interactions between human and his environment.

Wer sich mit der Kunst von Natascha Mann beschäftigt, sieht sich mit einer schier unerschöpflichen Anzahl von künstlerischen Produkten konfrontiert, die über einen langen Zeitraum hinweg entstanden sind. Kein Material oder Thema ist vor ihrer künstlerischen Bearbeitung sicher. Dies und ihre meisterhafte Beherrschung der Hinterglasmalerei, der Radierung, des Holzschnitts usw. haben ihr national und international viele Bewunderer eingebracht. Ohne Zweifel wird sie hier weitere gewinnen.

Die Galerie CAMERA WORK präsentiert vom 20. April bis 1. Juni 2024 die Ausstellung »Hawai‘i« mit Arbeiten des in Berlin lebenden Fotografen Olaf Heine. Die Ausstellung umfasst über 40 monochrome, teils großformatige Werke der langjährigen, konzeptuell konzipierten Serie »Hawai‘i«.

Danielle De Picciotto, ab Ende der 80er prägende Figur der Berliner Club- & Musikszene, erforscht in ihrem interdisziplinären Klang-Text-Bild Universum Regionen zwischen inneren und äußeren Rändern der kollektiven Psyche. Speziell in den Gemälden der letzten Jahre, in denen sich Tintenzeichnung und farbenprächtige surrealistische Malerei verbinden, zeigt sich die Faszination der Künstlerin für Zwischenwelten: tiefe Schichten und Geschichten im Stile Leonora Carringtons und des Pop Surrealismus.

Maryam Motallebzadeh stammt aus dem Iran, wo sie schon mit 13 Jahren einen Kunstpreis gewann. Sie studierte, ging mit einem Reisestipendium nach Ramsar und leitete etwa 20 Jahre lang eine eigene Galerie in Teheran, wo sie 1995 und 1997 an der Biennale für Malerei des Museums für zeitgenössische Kunst und seitdem an Ausstellungen in verschiedenen europäischen Ländern teilnahm, bevor sie 1999 nach Deutschland ging. Hier studierte sie noch einmal, an der Hochschule für Künste in Bremen.

Die diesjährige Ausgabe des BBA Artist Prize 2024 bündelt globale zeitgenössische Kunst in einer 600 m2 großen Gruppenausstellung im Kühlhaus Berlin, einem Kulturgut mit Kultstatus in der Hauptstadt. Die Ausstellung mit 22 außergewöhnlichen KünstlerInnen aus der ganzen Welt vereint verschiedenste Positionen und Disziplinen. Es werden die finalen Arbeiten der Shortlist präsentiert, welche von der Jury ausgewählt wurde. Höhepunkt ist die Bekanntgabe des Gewinners des BBA Artist Prize 24.

Die Buchobjekte von François du Plessis sehen selten aus wie Bücher. Sie sehen aus wie riesige Scheiben eines Baumstammes. Sie sehen aus wie bunte Farbwirbel oder vertikal geordnete Landschaftprospekte. Und sie sehen aus wie kleine, die Wand senkrecht hinauflaufende Insekten. Nein, seine Buchobjekte sehen nicht aus wie verfremdete Bücher. Und doch sind es Buchobjekte. Weil sie aus dem sind, woraus auch Bücher sind: aus vielen Lagen bedruckter Seiten, aus samtenen Leineneinbänden oder glänzenden Softcover, und aus bunten Lesebändchen. Für François du Plessis ist nicht wichtig, welches Wissen die von ihm verarbeiteten Bücher gespeichert haben, von welchen Ideen und Erlebnissen ihr Text berichtet. Sein Material ist das Material. Seine Buchobjekte sind Objekte aus Büchern.

Das internationale Auktionshaus Bassenge präsentiert das Preview zur Frühjahrsauktion 2024.

Die Ausstellung zeigt die faszinierende Welt des renommierten estnischen, in Berlin lebenden Künstlers Ivar Kaasik. Seine großformatigen abstrakten Gemälde sind geprägt von monochromen Farben und strenger Geometrie, in denen sich Chaos und Tod, aber auch Licht, Ordnung und Wiedergeburt ausdrücken. Neue Werke von 2022/24 und die ältere Arbeiten aus den 90er Jahren führen den Betrachter in das Gestern und Heute des Künstlers und verblüffen ebenso wie eine Auswahl seiner fotorealistischen Gemälde.

Die niederländische Bildhauerin Riki Mijling steht in einer reichen Tradition nicht-gegenständlicher, post-minimalistischer Skulpturen. Zwar ist sie von den amerikanischen Minimalisten wie Donald Judd, Carl Andre oder Richard Long beeinflußt, aber auch die europäische ZERO Bewegung mit Künstlern wie Heinz Mack und Otto Piene ist ein wichtiger Bezugspunkt. Mijlings Werk ist aber doch trotz aller formellen Strenge auch von Aspekten der Sinnlichkeit und des spielerischen geprägt.

„Dickicht“ nennt Volker Stelzmann seine zwölfte Einzelausstellung in der Galerie Poll. Sie vertritt den Maler seit über dreißig Jahren. Stelzmanns Werk zeichnet sich durch große Kontinuität aus. Im Lauf der Jahre hat er mit seiner Formensprache einen eigenen Bilderkosmos geschaffen. Für seine Figurengruppen erfindet er immer wieder neue raffinierte Konstellationen und Kompositionen. Auch Stilleben gehören zu Stelzmanns wiederkehrenden Bildthemen.

Die Galerie Georg Nothelfer freut sich zum Gallery Weekend 2024 eine Ausstellung mit der jungen Berliner Künstlerin Inna Levinson und Walter Stöhrer, einem Repräsentanten der klassischen gestischen und skripturalen Malerei, zu zeigen. 

Neue Arbeiten des Künstlers.

Claudia Bergs malerische Kaltnadelradierungen erzählen in ihrer atmosphärischen Dichte von der Poesie stiller Landschaften und menschenleerer Plätze – während die Sandstein-Torsi von Marguerite Blume-Cárdenas in ihrer spurenreichen Bearbeitung den verborgenen Kern menschlichen Seins zu erkunden suchen. Die Werke der vielfach preisgekrönten Künstlerinnen scheinen Augenblick und Ewigkeit gleichermaßen zu berühren und offenbaren in diesem Zusammenklang erst die tiefe Schönheit von Natur und Mensch.

Zum Gallery Weekend 2024 präsentieren wir Youjin Yi, Meisterschülerin von Günter Förg an der Münchner Akademie und Gaststudierende an der UdK mit Leiko Ikemura. In ihren Werken verbinden sich gegenständliche Bezüge mit abstrakten, malerischen Strukturen. Landschaftsräume sind von Menschen, Tieren, Mischwesen und anderen Objekten besetzt. Scheinbar entmaterialisiert verschmelzen diese mit ihrer Umgebung, treten hervor oder nehmen Gestalt an. Die Motive ihrer Werke fordern uns heraus, sie wollen entschlüsselt werden und bleiben doch rätselhaft.

Zum Gallery Weekend 2024 präsentieren wir die erste Einzelausstellung von Rao Fu, der seit zwei Jahrzehnten in Dresden lebt. In seinen Werken verbinden sich Einflüsse aus der klassischen chinesischen Landschaftsmalerei und der Kalligrafie mit europäischen Traditionen. Einflüsse der Dresdner Schule, Edvard Munchs, Peter Doigs oder Daniel Richters verbinden sich mit der Kultur und Philosophie des Ostens und bereichern den sächsischen Neo-Expressionismus um eine asiatische Komponente.

Zehn Jahre nachdem der bedeutende Ostberliner Maler Clemensz Gröszer mit nur 63 Jahren verstorben ist, freuen wir uns eine Auswahl seiner veristischen Porträts und Stilleben sowie zwei wichtige Triptychen aus den Jahren 1986 bis 2014 präsentieren zu können.

Raumgestalten von architektonischer Anmutung bis hin zu archaischen Wesen. Hacks Arbeiten entstehen aus einem Holzstamm, der als Richtung die aufstrebende Vertikalität vorgibt. Zugrunde liegt stets die Idee der Stele. So sind seine Figuren – sitzend, stehend, auf Stelzen sich bewegend oder hoch gesockelt – Figuren der Vertikalität. Die architektonischen Elemente wie auch die Interpretationen und Motive des menschlichen Körpers, sind Gestaltungen im Raum: dreidimensional, räumlich, körperlich. 

In der kommenden Ausstellung Viewing Room: Zeros & Ones eröffnet Kang Contemporary mit den Künstlerinnen TZUSOO, Jazoo Yang und Hara Shin einen Raum, in dem die Immersion von digital und analog erlebbar wird. 

Anhand von Themen wie digitalen Archiven, Digitalem Aktivismus, Künstlicher Intelligenz, virtueller Transformation und Konservierung werden die Möglichkeiten des Digitalen auf Ihre Bedeutung für Politik, Umwelt und Gesellschaft künstlerisch erprobt. Kann ein Avatar eine Influencerin sein? Erlaubt ein Computerspiel Dörfer vor der Zerstörung bewahren? Wie lässt sich eine Welt erleben, in der die Wahrnehmung von Objekten (Tiere, Felsen, Wälder) verflüssigt wird? BesucherInnen können sich durch Videoinstallationen, VR-Brillen und analoge Bildmedien auch interaktiv mit jenen Fragen befassen und eintauchen, in eine künstlerische Welt der Möglichkeiten, in der die Grenze zwischen Gegenwart und Zukunft aufgehoben ist.

Unsere Ausstellung ABSTRAKTION stellt im zeitlich von 1935 bis 1965 gespannten Rahmen dar, wie in dieser bahnbrechenden Phase der Kunstgeschichte mit den konzeptionellen Kernfragen Struktur, Raum und Material umgegangen wurde. Gezeigt werden Hauptwerke von Willi Baumeister wie „Figur in Bewegung“ (1936/37) oder „Blaue Mauer“ (1952). Der ganz eigene „chromatische Konstruktivismus“ von E. W. Nay ist mit wichtigen Exemplaren der sogenannten „Scheibenbilder“ und „Augenbilder“ vertreten. „KIVA“ (1962) und „SYKSI“ (1965) von K. O. Götz sowie „3.11.1959“ von K.R.H. Sonderborg stehen für die gestischen Ausdruckswerke des deutschen Informel. Intimere Arbeiten von Wols und Emil Schumacher ergänzen unseren Blick auf eine prägende Zeit der europäischen Nachkriegsavantgarde.

Platform 82 | Zilberman | Berlin ist eine neue Ausstellungsfläche in der Goethestr. 82 in Berlin. Die Plattform bringt kreative Köpfe aus der ganzen Welt zusammen, um durch Gespräche, Präsentationen, Publikationen und Austauschprogramme einen Dialog zu schaffen. 

Im Herbst 1980 beziehen die sechs Freunde Adamski, Bömmels, Dahn, Dokoupil, Kever und Naschberger ein Gemeinschaftsatelier in der Mülheimer Freiheit 110 in Köln. Schon bald sind ihre provokanten, spontanen, oft figurativen Werke teil jeder namhaften Ausstellung zur „Wilden Malerei“ der frühen 1980er Jahre. Die Galerie Michael Haas präsentiert Werke der international gefeierten Kölner Gruppe Mülheimer Freiheit in der Niebuhrstraße und im Kunst Lager Haas.

Sonderöffnungszeiten zum Gallery Weekend Berlin:

27.04., 11-19h

27.04., 11-18h

Anlässlich des Gallery Weekend Berlin 2024 freuen sich Monika Sprüth und Philomene Magers, territory zu präsentieren, eine Gruppenausstellung mit Mire Lee, Liu Yujia, Gala Porras-Kim, Tan Jing und Zhang Ruyi, kuratiert von Shi-ne Oh. Es ist die erste Gruppenausstellung bei Sprüth Magers, die sich ausschließlich weiblichen asiatischen Perspektiven widmet. Der Titel territory, ein Begriff, der mit aggressiven politischen Maßnahmen und Verhaltensweisen assoziiert wird, hinterfragt die weitreichende Definition von Grenzen und Abgrenzungen und wie sie unsere transgressiven Sehnsüchte sowohl auf physischem als auch auf psychologischem Gebiet einschränken, aber auch befreien können.

Mit der Ausstellung der polnischen Künstlerin Anna Szprynger zeigen wir zum ersten Mal nach über elf Jahren neben fotografischen Arbeiten auch Malerei. Lange Zeit arbeitete Szprynger im Bereich der geometrischen Abstraktion. In jüngster Zeit hat sie ihre Komfortzone verlassen und sich auf neues Terrain begeben. Wir zeigen neue Bilder, die aus ihren Beobachtungen von Texturen und Mustern aus der Natur entstanden sind. Die Fotografien in der Ausstellung entstanden parallel dazu und sind für Anna Szprynger keine Inspiration, sondern eine Art Symbiose. Daneben präsentieren wir klassische Werke ihres Repertoires.

In Galerie + Undercover Showroom

Galerie Gilla Lörcher | Contemporary Art freut sich, die neuen Arbeiten des chilenischen Künstlers Francisco Rozas (*1980) zu präsentieren. Der Künstler konstruiert fragile geometrische Objekte, die zwischen Flächigkeit und Dreidimensionalität oszillieren. Die Objekte verkörpern keine vagen Modelle eines individuellen Formexperiments, sondern vielmehr exemplarische Visualisierungen von mathematischen Abhängigkeiten. 

Diese Ausstellung, bestehend aus Werken junger asiatischer Künstlerinnen, präsentiert ihre neuesten Arbeiten, die ihre reichen und einzigartigen Denkweisen und ästhetischen Perspektiven widerspiegeln. Ihr künstlerischer Wert liegt nicht nur in der Auseinandersetzung mit Geschlechterfragen und Widerstand, sondern auch in der Wiederentdeckung, Neudeutung und Neuschreibung des Lebens. Durch ihre Materialien, Sprache und Identitäten strahlen ihre Werke Poesie und Stärke aus und zielen darauf ab, eine andere Welt darzustellen – eine symbiotische, kooperative und einfühlsamere Lebensumgebung und künstlerische Atmosphäre.

Branislav Jankic und Dana Melaver haben komplexe künstlerische Ansätze und Formsprachen entwickelt, um sich unterschiedlichen Interpretationen des „Selbst“ und Möglichkeiten seiner Inszenierung zu nähern. Dem Körper kommt hierbei eine zentrale Rolle zu. Die Frage nach seinem Wesen und seinen physischen wie metaphysischen Grenzen wird in Video, Fotografie, Skulptur und Performance verhandelt. Hier sind gleichermaßen biografische und geopolitische Zusammenhänge für den Kontext von Bedeutung.

Wir würdigen das Lebenswerk des Fotografen Efraim Habermann zu seinem 90. Geburtstag mit einer Ausstellung ausgesuchter Schwarz-Weiß-Fotografien aus seinen Themenbereichen und seinen Aquarellen, die erstmals bei uns einer größeren Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurden. Wir wünschen Efraim Habermann ein langes und gesundes Leben und gratulieren nachträglich zum vollendeten 90. Lebensjahr. Auf seinen Wunsch wurde die Vernissage wegen der Situation in Nahost um ein halbes Jahr verschoben. Am 19.12.2023 ist Efraim Habermann von uns gegangen. Wir ehren ihn nun posthum.

Hans Uhlmanns (1900–1975) Metallplastiken und Zeichnungen prägten das Bild deutscher Nachkriegsmoderne. Von den Nationalsozialisten 1933 inhaftiert, entwirft er im Gefängnis Skizzen filigraner Drahtköpfe, die er nach seiner Entlassung verwirklicht. In den 1950er Jahren entwickelt Uhlmann die figurativen Formen zu abstrakten Kompositionen weiter. Die Ausstellung zeichnet seine Schaffensperioden von den 1930er bis in die 1970er Jahre nach. Anhand von rund 80 Werken untersucht sie auch seine Rolle als Kurator, Hochschullehrer und Netzwerker innerhalb der West-Berliner Kunstszene. Es ist die erste umfassende Retrospektive seit mehr als 50 Jahren.

Das Kollektiv Kotti-Shop/SuperFuture betreibt einen Kunst- und Projektraum im Erdgeschoss des Neuen Kreuzberger Zentrums am Kottbusser Tor. Dort haben Julia Brunner und Stefan Endewardt eine künstlerische Praxis in engem Austausch mit den Nachbar*innen etabliert. Im Zentrum stehen Gestaltungsprozesse im urbanen Umfeld ebenso wie das gemeinsame Verweilen. In der Berlinischen Galerie stellen Kotti-Shop/SuperFuture ihre Arbeitsweisen vor. Diese schätzen die Vielstimmigkeit von Nachbarschaften, verstehen den öffentlichen Raum als schützenswertes Allgemeingut und fördern gemeinschaftliche Gestaltung. Die Rauminstallation zeigt kollektive Kunstproduktion und deren Rahmenbedingungen. Im Rahmen der Ausstellung finden Veranstaltungen und Workshops statt.

Mit diesem Fotoprojekt untersucht der Ostkreuz-Fotograf Sebastian Wells visuell, warum junge Menschen den Nationalismus unterstützen, hier exemplarisch in Flandern. In Portraits von uniformierten Mitgliedern einer nationalistischen Studentenverbindung, in der Auseinandersetzung mit Bildbänden aus der NS-Zeit wie mit dem kollektiven Gedächtnis von Passanten analysiert er das Identitätskonstrukt der Rechtsextremen und ihre Vorstellungen von Gemeinschaft. Dabei sieht der Künstler seine Rolle als die eines Archäologen, da er mit seinen Bildern ein visuelles Umfeld schafft, in dem sich die Vergangenheit untrennbar mit der Gegenwart überschneidet.

Michael Schäfer beschäftigt sich seit 20 Jahren mit Pressebildern, die zum Ausgangspunkt, Gegenstand und Material seiner digitalen Fotoarbeiten werden. Mit einem leisen Hauch von Ironie hinterfragt er diese Bildwelten und verweist auf die Macht visueller Rollenspiele und Systeme. Im Spannungsfeld von Konstruktion und Dekonstruktion bearbeitet der Künstler mit seinen subtilen Montagen und Inszenierungen zeitgenössisch relevante Themen.

Chronorama ist ein atemberaubendes Kompendium aus wertvollen Vintage Prints, von denen viele seinerzeit als Druckvorlagen für die Magazine verwendet wurden. Wie auf einer fotografischen Zeitreise durch das 20. Jahrhundert erhalten die BesucherInnen einen Einblick in die Anfänge der fotografischen Inszenierung und in die Interpretation der damals zeitgenössischen Mode, aber auch in Bereiche wie Kultur, Lifestyle und das historische Weltgeschehen.

Der Berliner Kabinett e. V. würdigt den Künstler Oskar Manigk mit dem Egmont-Schaefer-Preis für Zeichnung 2024. Manigks Ausdrucksmittel gehen weit über die Zeichnung hinaus, doch ist die lebendige zeichnerische Geste in seinem Werk von zentraler Bedeutung. Neben stillen, auf wenige Zeichen reduzierten Arbeiten stehen Werke, die empfundene Absurditäten in eine expressiv-schroffe Sprache übersetzen. Mit teils bitterem Humor zeichnet Manigk erlebtes Welttheater auf die private Bühne des Papiers. 

Die Ausstellung „Kiezgedächtnis Hakenfelde“ im Gotischen Haus präsentiert in einer raumgreifenden Installation –  die sich faszinierend in die historischen Gemäuer einfügt – über 40 Videointerviews: Menschen aus Hakenfelde teilen ihre Lebensgeschichten und sprechen mit den Video-künstler*innen Ina Rommee und Stefan Krauss über ihren Kiez. Beeindruckend ist die Themenvielfalt: von kultureller Diversität, über mentale Gesundheit, Nachbarschaft, bis hin zu Umweltthemen sowie sozialer Gerechtigkeit.

Seit Ende der 1960er-Jahre prägt die Charkiwer Schule der Fotografie mit ihren ästhetischen Prinzipien und experimentellen Konzepten die Kunstszene in Charkiw, Ukraine. Die Bewegung umfasst rund 40 Künstler:innen aus vier Generationen. In der Ausstellung werden Werke der ersten Generation wie Boris Mikhailov und Evgeniy Pavlov, den Gruppen SOSka und Shilo, sowie Arbeiten neueren Künstler:innen wie Bella Logachova und dem Duo Andriy Rachinskiy / Daniil Revkovskiy gezeigt.

Konzept/Kurator: Sergiy Lebedynskyy

Der Freundeskreis Willy-Brandt-Haus zeigt die Ausstellung der Michael Horbach Stiftung mit Fotografien von Daylene RodrÍguez Moreno, Leysis Quesada Vera, Manuel Almenares, Alfredo Sarabia Junior sowie Alfredo Sarabia Senior. In den Fotos dieser neuen Generation kubanischer Fotograf:innen geht es um das konkrete Leben im „Hier und Jetzt“ und weniger vordergründig als in der Vergangenheit um das große nationale Kollektiv. Dabei wurden Themen wie die Klimakrise, Corona oder Familienstrukturen aufgegriffen und in beeindruckenden Serien festgehalten.  

Unter dem Thema "Was ist Digitaldruck in der Kunst?" möchten die Künstlerinnen und Künstler die Vielfalt und Innovationen des Digitaldrucks erkunden, der zunehmend traditionelle Druckverfahren ersetzt. 
10 Künstler*innen des VBK präsentieren gemeinsam mit 4 Gastkünstler*innen eine spannende Auswahl an neuen Sichtweisen und Techniken, die das traditionelle Medium des Drucks in das digitale Zeitalter überführen.

La Chola Poblete ist „Artist of the Year“ 2023 der Deutschen Bank. Die Argentinierin setzt sich kritisch mit den Folgen von Kolonialismus und weißer Vorherrschaft in ihrer Heimat auseinander. In Aquarellen, Skulpturen, Installationen und Performances reflektiert sie ihre Indigenen und queeren Wurzeln und widersetzt sich der Stereotypisierung und Exotisierung Indigener Völker. Mit Guaymallén präsentiert das PalaisPopulaire La Chola Pobletes erste Einzelausstellung in Deutschland.

Die Ausstellung versammelt eine Auswahl von Bildern aus vier Jahrzehnten, die um zentrale Themen von GALLIs Malerei und Zeichnung kreisen: dem Körper als sich ständig ändernde Form und Behausung und "Austragungs"-Ort für Begehren, Sehnsucht, Wut, Aggression und Angst.

Wer wünscht sich nicht ein zweites Leben, eine zweite Persönlichkeit oder gar einen Stellvertreter für sich selbst, wie einen guten Freund, ein Alter Ego? In der Welt der Comics ist das kein Problem. Comic-Künstler:innen verbringen nicht nur Stunden, sondern Jahre oder sogar Jahrzehnte mit einem Werk und so auch mit ihren Charakteren. Es ist nur allzu verständlich, dass eine selbst entwickelte Figur zu einem Teil der eigenen Identität wird.

Ob versteckt hinter einer erfundenen Figur wie Nele Brönners Monkey Girl oder direkt und ungeschützt als sie selbst wie Ulli Lust, mit meterlangen Beinen wie bei Anna von Mia Oberländer, als Tonfigur von Malwine Stauss oder eine auf Leinwand gemalte Cleo von Janne Marie Dauer, eines haben sie alle gemeinsam: Sie sind Figuren eines Comics.

In der Ausstellung präsentieren uns fünf Künstlerinnen ihre Alter Egos. Sie nehmen ihre Schutzhülle ab und geben intime Einblicke in das, was sie bewegt. Sie zeigen uns auch, dass grafische Erzählungen nicht immer nur auf Papier passieren, sondern auch in Form von Skulpturen und Malereien entstehen können.

Jürgen Köhler gehört zu den Künstlern, die sich aus­schließ­lich dem Medium der Zeichnung zuge­wandt haben. Innerhalb der Band­breite zeichne­ri­scher Ausdrucks­formen in der aktuellen Kunst nehmen die Arbeiten Jürgen Köhlers eine besondere Position ein.
In seinen teils groß­forma­tigen Blättern entwickeln sich Bild­welten voller surrealer Ver­schrän­kungen, in denen Versatz­stücke aus Traum und Realität irritierende Symbiosen eingehen.

Über mehr als 19 Monate, zwischen August 1943 und April 1945, schuf der bisher unbekannte deutsch-jüdische Autor Curt Bloch in seinem Versteck in den Nieder­landen ein einzig­artiges Werk des kreativen Wider­stands: Het Onderwater Cabaret.

Nun geht Curt Blochs Hoffnung endlich in Erfüllung und das Werk wird zum ersten Mal der Öffentlich­keit präsentiert: Die Ausstellung zeigt alle 95 Original­ausgaben von Het Onderwater Cabaret, begleitet von Ein­blicken in die Her­stellung der Titel­seiten.

Künstlerische Arbeiten zur Nutzung des ehemaligen Kriegsgefangengenlagers „Stalag VII A“ in Moosburg. Fotografien der verlassenen Innenräume sowie Porträts der einstigen Bewohner:innen spüren Geschichten der Arbeitsmigration nach.

Die experimentelle Designausstellung „Imagine: Coral Reef. Regeneratives Design“ sucht nach einer neuen Orientierung für Design in einer von zahlreichen Krisen geprägten Welt. Als Metapher dienen die komplexen Ökosysteme der Korallen, in denen eine faszinierende Artenvielfalt herrscht. Diese „Regenwälder der Meere“ werden durch den vom Menschen verursachten Klimawandel zunehmend belastet, so dass sie in naher Zukunft zu verschwinden drohen.. 

Rolf Tietgens (1911-1984) gilt als einer der bedeutenden Fotografen der 1930er Jahre, der hierzulande jedoch bisher nur wenigen bekannt ist. Sein Werk geriet in Vergessenheit, nachdem er, als homosexueller Künstler in Deutschland von Verfolgung bedroht, Ende 1938 nach New York emigrierte. Da er nie nach Deutschland zurückkehrte, blieb sein Schaffen lange Zeit vergessen. Heute muss sein Buch Der Hafen, das 1939 im Zuge der 750 Jahrfeier des Hamburger Hafens im renommierten Heinrich Ellermann Verlag erschien, zu den besten Fotobüchern der 1930er Jahre gezählt werden. Es kann als der künstlerisch anspruchsvollste Entwurf zu diesem Thema in der deutschen Fotogeschichte angesehen werden. 

Der öffentliche Raum ermöglicht Beziehungen unter Fremden – und verbindet dabei nicht nur, sondern legt auch offen, was uns trennt. Städtische Spielplätze sind öffentliche Räume von besonderer Bedeutung, denn hier werden die Spannungsverhältnisse zwischen Regeln und Freiräumen ständig aufs Neue verhandelt. Zwischen dem Vertrauten und dem Unbekannten, Grenzen und ihrer Überschreitung, der Gegenwart und der Zukunft.

Kuratiert von Joanna Warsza und Benjamin Foerster-Baldenius
Architektur: raumlaborberlin

Mit How Love Moves präsentiert der Gropius Bau die erste umfassende Einzelausstellung von Pallavi Paul. Als Künstlerin und Filmwissenschaftlerin nutzt Paul die Kamera, um zu hinterfragen, wie Regime von „Wahrheit“ im öffentlichen Leben produziert und aufrechterhalten werden. In ihrer multimedialen Praxis, die Film, Installation, Performance, Zeichnung, Fotografie und Text umfasst, verhandelt sie das Dokumentarische nicht nur als Film oder Bild, sondern als eine Ökologie von Materialien, Netzwerken, globalen Allianzen und Systemen.

Über fünf Jahrzehnte hinweg beschäftigte sich Holt damit, wie wir unsere Umwelt wahrnehmen und unseren Platz auf der Oberfläche dieses Planeten zu verstehen versuchen. Mit Circles of Light zeigt der Gropius Bau ab März die bislang umfassendste Überblicksausstellung der Künstlerin in Deutschland. Die Ausstellung umfasst unter anderem Film, Video, Fotografie, Soundarbeiten, konkrete Poesie, Skulpturen und raumgreifende Installationen sowie Zeichnungen und Dokumentationen aus über 25 Jahren.

Melancholie ist ein Gemütszustand – angesiedelt irgendwo zwischen Traurigkeit und Träumerei. Sie kommt und geht und ist etwas vom Schönen im Leben – etwas, das kreativ machen kann. Dieser Stimmung geht die Ausstellung nach, indem sie den ausgesprochenen Melancholiker Alexander Camaro ins Zentrum rückt und ihm ausgewählte Zeitgenossen aus Berlin und Halle/Saale zur Seite stellt. Entscheidend dabei ist das besondere Kolorit einer zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit schwebenden Malerei.

Thema der künstlerischen Arbeit von Hartmut Kiewert ist das Nachdenken über zukünftige Möglichkeiten des Verhältnisses zwischen Mensch und Tier. Ausgehend von dem utopischen Gedanken einer friedlichen und gleichberechtigten Koexistenz, entwickelt der Maler Gesellschaftsbilder und Narrative, in denen Tiere nicht mehr Objekte einer ausbeuterischen Praxis sind, sondern zu Subjekten einer veränderten und emanzipatorischen Weltordnung werden. 

Im Mai präsentiert das Haus am Waldsee eine umfassende Einzelausstellung der britischen und in Berlin lebenden Künstlerin Josephine Pryde (*1967). Seit Beginn ihrer künstlerischen Laufbahn erforscht Pryde die Entstehung und den Konsum von Bildern, wobei sie sich insbesondere auf die Fotografie und mit ihr verbundene Produktionsweisen konzentriert. 

Kader Attia (*1970) wuchs in Frankreich und in Algerien auf. Internationale Bekanntheit erlangte er u.a. durch seine Beiträge für die Venedig Biennale 2003/2017 und die dOCUMENTA (13) im Jahr 2012. Als Kurator verantwortete er die 12. Berlin Biennale 2022. In der Berlinischen Galerie zeigt er die beiden installativen Arbeiten „J’accuse“ (2016) und „The Object’s Interlacing“ (2020), mit denen er die Auseinandersetzung mit seinem Begriff von „Reparatur“ fortsetzt und sich mit der Rückgabe geraubter Kulturgüter der Kolonialzeit befasst. Sie werden durch ausgewählte Collagen von Hannah Höch aus ihrer ikonischen Serie „Aus einem ethnographischen Museum“ (1924–1934) ergänzt.

Gegenstandsbezogen, illusionistisch, mimetisch, transformativ: Die Interieurs der Malerin Fides Becker und der Fotografin Anja Teske finden in einer installativen Raumsituation sowohl Berührungspunkte als auch Gegensätze. Beide Künstlerinnen sind von Alltagsgegenständen verschiedener Epochen inspiriert und halten bedachtsam arrangierte Wohnungseinrichtungen mit auf der Fläche fest. Mit Kamera und Pinsel lenken sie die Blicke der Betrachtenden in verborgene Bereiche des Persönlichen.

Die MITKUNSTZENTRALE im HAUS DER STATISTIK versteht sich zugleich als Atelier, Labor, Projektraum und Diskussionsforum für die drängenden Fragen urbaner gesellschaftlicher Zukunft aus künstlerischer/gestalterischer Perspektive. Das radikale Umdenken vom Verbrauch zum Re-Use, von der Ressourcenraubbau zu einem nachhaltigen Umgang mit Lebewesen, Material, Energien und Konzepten bestimmt die Grundlagen gemeinsamen Denkens, Diskutierens und Arbeitens.

In der Lounge des ZAK zeigen wir die Neuzugänge der Spandauer Kunstsammlung mit Arbeiten u.a. von Nasan Tur, Chloe Sherman, Anna Werkmeister, Sabine Herrmann, Doris Hinzen-Röhrig, Karen Scheper, Margareta Hesse, Carsten Borck, Deborah S. Philipps, Jase Kala.

Ausgehend von allgemein verfügbaren Malerei-Anleitungen für Amateure und in Auseinandersetzung mit Jahrhunderten der Kunstgeschichte entwickelt Georg Weißbach ein breit angelegtes Panorama malerischer Ansätze, die sich zu einem umfassenden Bild gegenwärtiger künstlerischer Strategien im Umgang mit einem vielfach totgesagten Medium verdichten. Die Grenzen zwischen Hoch- und Populärkultur beginnen zu verwischen und eröffnen einen befreiten Blick auf analoge Bildwelten im digitalen Zeitalter.

Anette Roses Videoinstallationen sind Teil ihres langjährigen Projekts einer „Enzyklopädie der Handhabungen“. Sie fokussieren sowohl auf maschinelle Produktionsprozesse wie auf die Körpersprache von Menschen bei der Ausübung verschiedener manueller Tätigkeiten. Zwischen der Faszination für technische Abläufe und der konzentrierten Aufmerksamkeit auf Bewegungen entsteht ein Panorama kultureller Realitäten. Das verbindende Thema der Installationen ist die Textilherstellung.

Lothar Wolleh und Jan Schoonhoven hatten ab 1968 mehrere Jahre lang intensiven Kontakt. In Delft zeigte Schoonhoven dem Fotografen, was ihn an der Stadt faszinierte, und wie alltägliche Rhythmen von Fassaden, Mauerwerk und Pflastersteinen in abstrakten, autonomen Zeichnungen und Reliefs reflektiert wurden. Die Ausstellung zeigt den fotokünstlerischen Blick auf Delft und das Werk von Jan Schoonhoven.

In ihren großformatigen Bildwerken reflektiert Susannen Wehland mit malerischen Mittel, angereichert mit Fotomontagen und Materialcollagen gesellschaftliche und politische Themen, d.h. den Kampf für Frieden und Freiheit, Umwelt und Natur, Geschlechterrollen. Die umfangreiche Einzelausstellung zeigt daneben eine Auswahl aus ihrem bildhauerischen Werk, das sich besonders der Darstellung von Frauengestalten widmet. Die Ausstellung erlaubt anhand bedeutender Themen das Gesamtwerk einer Berliner Künstlerin zu entdecken.

Die Ausstel­lung spielt mit den unter­schied­lichen Auf­fas­sungen von Sexua­lität im Juden­tum. Zeitgenössische und traditionelle Objekte, Film und moderne Medien illus­trieren jüdische Posi­tionen, die seit Jahr­hunder­ten disku­tiert wurden. Von Ehe und Zeu­gung über Begehren, Tabus und Infrage­stellung sozialer Normen, bis hin zur Erotik der Spiritu­alität, präsen­tiert sie das Spektrum jüdischer Haltun­gen.

Die Aus­stellung entsteht in Koopera­tion mit dem Jüdischen Museum Amsterdam. 

Diese Ausstellung widmet sich der Popkultur Koreas, insbesondere dem K-Pop, und beleuchtet sie tiefgründig. Von nachgebauten Musikvideo-Sets berühmter K-Pop-Künstler bis hin zu vielfältigen Fotokabinen und MD-Bereichen bietet dieser Ort sowohl K-Pop-Fans besondere Erinnerungen, als auch Besuchern, die mehr über K-Pop erfahren möchten, eine spannende Erfahrungsmöglichkeit. Die Besucher können vollständig in die Welt des K-Pop eintauchen und diesen einzigartigen und lebendigen Kulturraum erleben.

Architektur und Natur stehen zwangsläufig in Konkurrenz. In drei Berliner Projekten werden nun die Gegen- zu Mitspielern. Interdisziplinäre Teams setzen mit Hilfe neuester Technologie dabei auf die Potentiale von Pilzen, Bäumen und Lehm. Die Bauten gewinnen aus diesem Bündnis mit der Natur eine ökologische Qualität, aber auch einen völlig neuen Charakter: Sie atmen, wachsen und werden somit selbst lebendig. Ihre überraschend sinnlichen Eigenschaften sind in der Ausstellung an raumgreifenden Installationen zu erleben. Daneben erläutern Zeichnungen, Modelle und Fotografien die innovativen architektonischen Ansätze.

Architekt*innen, Beteiligte, Künstler*innen: Thomas Eller, Bruno Klomfar, Lehm Ton Erde Baukunst – Martin Rauch, MY-CO-X, Elisabeth Niggemeyer, OLA – Office for Living Architecture in Kooperation mit TUM, Reitermann Sassenroth Architekten, Ulrich Wüst

Die Galerie im KUNSTHAUS der ACHIM FREYER STIFTUNG verwandelt sich in einen künstlerischen Schauraum, in dem bis zu 100 aktuelle Arbeiten von Achim Freyer in immer neuen Konstellationen zusammengestellt sind. Die Schau ist Vorbereitungsraum für mehr als zehn Ausstellungen zum 90sten Geburtstag des Bildenden Künstlers und Theatermachers. Zu den bekannten Öffnungszeiten der Galerie (Di, Do, So - 15-18 Uhr) werden die Malereien für das Publikum erstmals zugänglich sein. An ausgewählten Terminen sind Achim Freyer selbst oder von ihm eingeladene Gäste anwesend.

Mehr Informationen - auch zum Rahmenprogramm unter www.achimfreyer.com. Eintritt frei.